Sinking Suns / Bad Vibes

Ce n’est pas la peine de me le répéter encore et toujours : je sais déjà que je ne suis qu’un vil réactionnaire doublé d’un conservateur de la pire espèce. Une sorte de grosse enflure de rétrograde passéiste. Par exemple je refuse de trop m’extasier sur ce groupe tellement aventureux et tellement novateur (haha !) qu’est Idles – non, je n’ai pas dit que je ne l’aimais point, simplement je suis très loin de comprendre tout le foin hystérique et béat qu’il suscite* – tout comme je ne saurais trouver les mots précisément justes pour exprimer toutes les mauvaises pensées que génèrent en moi les imbécilités formatées et extrudées (tiens, voilà du boudin) de Dead Cross ou de Converge, ce genre de formations marketées dont le but premier semble être de vendre des baskets, des sacs-à-dos, des épinglettes et des t-shirts hors de prix à des kidettes et des kids pourri.e.s à l’envie (sic).

Le gâtisme c’est de toujours râler sur les mêmes sujets (activité que je maitrise parfaitement) mais surtout râler de plus en plus (je n’en parle même pas) ; le gâtisme c’est également porter au pinacle de l’inventivité des groupes prémâchés qui font la même chose ou presque que ce que d’autres groupes faisaient déjà il y a déjà plus de vingt ans, et presque toujours en beaucoup mieux. De ce point de vue là c’est gâtisme contre gâtisme, choisis donc le tien et profites en pour en même temps choisir ton camp, camarade, parce que c’est l’époque qui veut ça, tout ayant déjà été fait en matière de musiques. Tout ? Oui et c’est terriblement vrai. Mais ce qui l’est encore plus c’est que l’on n’a que l’âge de la musique que l’on écoute alors que la musique, elle, n’a pas d’âge (sauf celui qu’on veut bien lui donner, par conséquent cela ne compte pas, retour à la case départ).  

Et c’est ce qui m’incite alors à te parler aujourd’hui de SINKING SUNS, un trio de noise-rock (encore une fois, oui !) originaire de Madison / Wisconsin et dont le deuxième album intitulé Bad Vibes a été publié fin juillet par l’excellent label Reptilian records (de Baltimore… je le précise également à cause de mon côté « apprendre en s’amusant » et tu verras, toi aussi à force tu deviendras un jour incollable sur le géographie nord-américaine). 
Et alors donc ? Quoi de neuf ? Mais rien du tout, pardi ! Sinking Suns est l’archétype éculé et prévisible ou presque du sacro-saint trio de noise-rock typé guitare/basse/batterie – « ou presque » parce que pour une fois c’est le bassiste qui assure (magnifiquement) le chant principal et non pas le guitariste. Quelle différence ? A priori aucune sauf que chez Sinking Suns les parties de guitares sont réellement chiadées de chez chiadées, atteignant systématiquement leur but, j’en déduis que le titulaire de cet instrument du diable a pu se concentrer comme il le voulait sur ses parties pour tirer du feu riffs et mélodies imparables. Pour le reste c’est du plus que classique, à commencer par les lignes de basse d’une taille largement plus que respectables, pour ne pas écrire énormes (bonnet Z). Ce qui est la moindre des choses.

Le gros point fort du trio reste cette capacité ici jamais démentie – et beaucoup plus rare qu’on ne le pense – à savoir concilier puissance réfléchie et mélodies non aguicheuses mais implacables : Sinking Suns est une formation appartenant à la catégorie des groupes finauds qui ont parfaitement compris que ce bon vieux noise-rock à papa peut être aussi bruyant qu’il le veut et qu’il le peut, il n’en sera que plus efficace si le niveau des compositions s’élève au dessus du niveau zéro du tout à  l’égout en privilégiant l’accroche mélodique. Ajoutez à cela un bon petit côté élégamment marécageux et Sinking Suns se place derechef quelque part à la croisée d’Hammerhead et de Clockcleaner.

Bref… Je ne sais donc pas ce qu’il s’est passé en 1987 mais 1987 est également le titre introductif de Bad Vibes, un mid-tempo décidé et volontaire qui ouvre le bal d’un album qui ne connait absolument aucun coup de mou. Suivent American Steel plus Hammerhead que jamais, Zenith et The End Of All Roads (deux pépites swamp), l’ultra mélodique et tubesque Thumbsucker, le très swinguant et irrésistible Remember You Will Die (non mais quel titre !) ou Teenage Werewolf, composition la plus rock’n’roll (ahem) du lot et qui contrairement à son titre n’a pas l’air d’être une reprise des Cramps (et pourtant...). Bad Vibes est peut-être bien le disque de noise-rock de cette année 2018. Et Sinking Suns est un groupe inratable, aussi épidermique qu’intelligent. Que c’est bon d’être un vieux con.  

* mais comme je suis généreux voici un lien vers les photos très étonnantes prises par Lowlights and Decibels (prénom : Gérald) lors d’un récent concert d’Idles du côté de Lyon

Klaus Legal / split with Spettro Family / мечты шизофреника

Emanation du célèbre label berlinois Staalplaat, Le Petit Mignon propose des objets-disques soignés, dotés de pochettes imprimées amoureusement (il y a même des sérigraphies) avec des artworks et des inserts souvent magnifiques. Quant à la musique, le catalogue du Petit Mignon parle de lui-même : MoHa !, Staer, Evil Moisture, Antoine Chessex, Arnaud Rivière, Monno… la dernière production en date de cette honorable maison étant un split 7’ entre Spettro Family et Klaus Legal, le tout agrémenté d’illustrations de l’artiste polonais Gosia Bartosik. Un bel objet une fois de plus et l’occasion, en ce qui me concerne, de retrouver et de pouvoir (re)parler un peu de Klaus Legal. 

Mais je vais commencer avec la face occupée par Spettro Family, alias du musicien italien Stefano Iannone, lequel pratique une musique électronique minimale entre rigueur d’acier, lumière électrique vacillante, souplesse mélodique et kitsch electro. Autant repoussoirs qu’objets d’attirance les trois titres-vignettes proposés ici par Spettro Family demeurent relativement inclassables, en tous les cas ils déconcertent également par leur côté léger voire ludique. Les enregistrements figurant sur ce split datant de 2014, il devient alors nécessaire de creuser un peu plus le sujet et notamment cet Aurea Mediocritas (février 2018), un album plus abouti, plus diversifié mais également plus sombrement cinématographique.

Par contre la musique de Klaus Legal est corrosive et dérangeante, croisement entre Suicide, The Normal et surtout Cabaret Voltaire (lorsqu’ils étaient encore trois dans le groupe et restaient enfermés dans leur cave) avec ce côté perturbé et harceleur voire invocateur/exutoire. Klaus Legal est un agité et un intranquille et sa musique transpire ce malaise acide mais aussi une volonté de tout dégueuler bien sèchement sans perdre de temps… Cependant Warmbed et PozorPoupoup commencent également à dater un peu – enregistrement entre 2041 et 2015 – ce qui a fait dire au principal intéressé que le Klaus Legal de ce split ne lui ressemble plus vraiment. Mais lui a-t-il jamais réellement ressemblé ?

Se replonger dans мечтышизофреника permet de mieux comprendre ce que ce garçon veut exprimer par cette absence de « ressemblance ». Pour ma part j’ai longtemps cru et pensé que ce troisième (quatrième ?) album décharné à base d’improvisations électroniques ultra minimales était une sorte de pause pour Klaus Legal, d’autant plus que ce LP figure dans la collection « Synesthetic Alchemy » initiée par le label 213 records et dédiée à la free music au sens large. Il n’y a pas de chant, presque pas de mots sur мечты шизофреника qui propose deux longues déambulations électroniques renvoyant de temps à autre à Throbbing Gristle avec un sens squelettique, étouffant mais aussi poétique de l’action musicale. Des fois on sent que Klaus Legal se cherche un peu (la première face est très morcelée) mais il trouve également de nouveaux modes d’expression qui lui deviennent propres et surtout il diversifie son propos – l’espèce de gamelan en fin de face A ou bien le continuum au début de la seconde face et que j’aime beaucoup, avec ses bourdonnements industriels.

Ce qui aurait du me mettre la puce à l’oreille c’est cette simple inscription sur la pochette de мечты шизофреника et indiquant, outre le pseudonyme de Klaus Legal, le véritable nom du musicien. Je crois qu’il existe mille et une façons de se cacher et les plus évidentes ne sont pas forcément les plus efficaces ou, en tous les cas, en devenant trop visibles les intentions d’anonymat deviennent trop révélatrices. 
Alors… autant utiliser son propre nom : postés en septembre 2018 sur la page b*ndc*mp du musicien, trois Brouillons donnent d’autres précisions sur les cheminements actuels de la musique de « Klaus Legal »… mais en fait ces trois plages en forme d’ébauches – improvisées elles aussi ? – sont signées Pavel V. On n’est jamais sûr de rien… et c’est tant mieux.

Buñuel / The Easy Way Out

Existe-t-il un remède au profond ennui suscité par The Thin Black Duke, cet album informe et délavé derrière lequel Oxbow a fait courir ses fans et admirateurs pendant quasiment une décennie ? Existe-t-il un contrepoison à la cruelle déception engendré par un disque totalement indigne d’un grand groupe dont le seul mérite (c’est malgré tout estimable) a été de vouloir se renouveler, tentant toutefois d’y parvenir non sans chuter lourdement ? Existe-t-il une médication capable de faire oublier l’indifférence terminale – camouflet suprême – née d’un enregistrement dont j’aurais souhaité qu’il ne voit jamais le jour ?

J’aurais surtout préféré ne pas avoir à commencer cette chronique en évoquant la tragique constipation aploplexique dont semble désormais souffrir le groupe d’Eugene Robinson et de Niko Wenner mais je n’ai pas eu d’autre choix : depuis ce jour du printemps 2017 où The Thin Black Duke a enfin été dévoilé, mon amour pour Oxbow s’est retrouvé irrémédiablement fané et si aujourd’hui ma déception s’est largement atténuée, j’ai toujours ce gouffre béant à combler, ce manque à soigner, précisément là où ça fait mal. Pour y parvenir les solutions sont multiples : oublier Oxbow après 2007 – ou, plus radicalement, après 2002, en considérant que The Narcotic Story contenait déjà en germes la déconfiture de The Thin Black Duke – ou carrément aller voir ailleurs. Les ailleurs ce n’est pas ce qui manque, sauf que tous les ailleurs du monde n’ont jamais fait un nouveau chez soi. 

Eugene Robinson est un colosse, et pas seulement au sens proprement physique du terme : il a besoin d’une montagne de rochers pour le soutenir tout comme il en a également besoin pour la soulever et la détruire, exprimer ce qu’il est, exprimer cette énergie phénoménale qu’il est capable de libérer pour faire naitre sensations contradictoires et souffrances intimes. Souvent il me fait penser au Golem, ce monstre humanoïde constitué d’argile, géant aussi puissant que fragile qui dans les écrits talmudiques est à la merci du pouvoir de son créateur. Sauf que Robinson est son propre maitre, entre outrances et faiblesses. Mais en multipliant les side projects et les collaborations offshore d’Oxbow il n’a pas toujours fait les bons choix : l’album enregistré avec les musiciens de Zu est d’une profonde pâleur ; au contraire les concerts en compagnie de L’Enfance Rouge sont ce qu’il a fait de mieux ces dernières années.

Bien que faisant partie des ailleurs possibles et bien que faisant partie de ces projets permettant à Eugene Robinson de s’exprimer plus radicalement, j’ai mis un temps infini avant de m’intéresser à Buñuel. Trop peur de tomber sur un vulgaire orviétan, charlatanisme de l’eau sucrée à la petite cuillère et compagnie. Avec BUÑUEL le chanteur américain se retrouve dans la configuration d’un noise-rock noueux, tordu, inconfortable et malade. Emmené par le très impressionnant et rassurant – bien que trop identifiable – Boys To Men, l’album The Easy Way Out a tous les airs d’une autoroute pour Robinson et sa démesure saignante et sexuelle : guitares hachées de saturations et de stridences, basse omniprésente et ravageuse, batterie martelée, musique musclée et agressive voire très rapide, entre noise-rock sombre et ravagé et blues électrifié, armuré et hérissé de pics d’agressivité. Les autres musiciens de Buñuel sont tous italiens et une fois de plus je me demande ce qui a encore poussé le chanteur/performer californien à chercher et trouver refuge du côté de la vieille Europe.

Donc The Easy Way peut me contenter. Il m’apporte ce qu’il me manquait, à savoir une musique acérée, lourde, vigoureuse et sans concession jouée par un groupe solide pouvant soutenir la folie obscure et meurtrière d’un Robinson qui retrouve là ses marques habituelles sans toutefois faire du remplissage « à la manière de » (en d’autres termes : pas d’auto-caricature). Entendre ce groupe et ce chanteur ensemble est un beau cadeau même s’il est évident qu’Eugene Robinson écrase un peu trop tous les autres de sa présence et de son talent ; il est vrai également que les trois membres italiens de Buñuel tombent parfois avec The Easy Way dans le péché d’imitation, singeant Oxbow lorsqu’ils n’en présentent que des rognures, certes dignes d’intérêt (le déjà nommé Boys To Men, The Sanction, Augur, Where You Lay et Hooker). Tant qu’à faire il convient donc de (ré)écouter en plus le premier album enregistré par Buñuel : plus spazzy et plus chimique A Resting Place For Strangers – malgré de nombreux points communs avec The Easy Way Out – me semble plus original et plus intéressant en offrant un équilibre valide et pas moins crédible à une collaboration réussie.

[The Easy Way Out est publié en vinyle et CD par La Tempesta International et Good Fellas records]

Comme à la radio : Jonathan Fitoussi (et Hands In The Dark)

Pas assez rapide. C’est ce que je me suis dit lorsque j’ai appris que Diagonals, le nouvel album de JONATHAN FITOUSSI, était déjà épuisé auprès du label avant même sa publication officielle le 16 novembre 2018.

Sûrement que la réputation du compositeur basé à Paris aura fonctionné à plein ; peut-être aussi que le bouche-à-oreilles initié par les personnes ayant eu la chance d’assister au concert qui a servi de matériel pour Diagonals aura fait de même.

Alors tant pis. Il ne me reste qu’internet pour pouvoir écouter et réécouter encore cet album d’une beauté merveilleuse. En espérant que le label Hands In The Dark procédera un jour à un retirage – parce que 300 exemplaires c’est trop peu !

Et pendant que j’y suis : allez donc faire un tour du coté du site de Hands In The Dark qui à l’heure actuelle est l’un des labels les plus passionnants que je connaisse en matière de musiques drone, électroniques et expérimentales (mais pas que).

Unnatural Ways / The Paranoia Party

Cela fait presque une dizaine d’année maintenant qu’Ava Mendoza occupe une place de choix au sein de la scène new-yorkaise et de Brooklyn avec son jeu de guitare très touffu et particulièrement incandescent (et en ce qui me concerne je l’ai découverte lors d’un concert fulgurant en compagnie du bassiste Maxime Petit de Louis Minus XVI et du batteur Will Guthrie*). 
Au départ Unnatural Ways est le nom d’un album d’Ava Mendoza enregistré en 2015 aux côtés de Dominique Leone (synthétiseurs) et de Nick Tempuro (batterie – ce dernier et la guitariste avaient déjà publié en 2012 un autre album intitulé lui Quit Your Unnatural Ways). Puis UNNATURAL WAYS est devenu un trio bien différent, cette fois-ci avec Tim Dalh à la basse et Sam Ospovat à la batterie : le premier est surtout connu pour son groupe Child Abuse ; le second joue entre autres avec Enablers (qui d’ailleurs s’apprêtent à ressortir de leur tanière).

Suite à l’émergence de la nouvelle version du trio, John Zorn et le label Tzadik ont en 2016 publié We Aliens, un album plutôt remarqué mais qui malgré ses qualités m’a toujours semblé un peu trop rigide et un peu trop appliqué pour être réellement passionnant. Toutefois We Aliens reste un album plus que prometteur : j’attendais donc la suite avec impatience, me demandant malgré tout si Ava Mendoza n’allait pas à nouveau changer de musiciens et quelles évolutions elle opérerait alors sur sa musique.

La réponse se révèle spectaculaire : sur The Paranoia Party, deuxième véritable enregistrement d’UNNATURAL WAYS, le groupe est toujours constitué des trois mêmes musiciens mais il y apparait comme transfiguré, bien plus à son aise et en perpétuel position de défi. Une arrogance certaine domine ce disque, d’abord celle du jeu de guitare d’Ava Mendoza plus tentaculaire et plus électrique que jamais, la musicienne alignant riffs surpuissants et solos débordant d’une sur-vitalité mordante et conquérante. Un véritable ouragan magnétique de couleurs et de formes tous azimuts, des parties de guitare aussi ahurissantes de technicité qu’explosives, tout en évitant déviations trop progressives et démonstrations assommantes. 
En général je goûte guère aux épanchements à la guitare électrique mais le jeu d’Ava Mendoza trouve toujours le juste milieu entre acharnement ultra-technique – elle réalise l’exploit de me faire aimer des parties jouées en tapping, ce qui n’est pas rien – et déflagration pyrotechnique. Elle est juste incroyable et je ne dis pas ça parce que je garde encore en mémoire le souvenir brûlant d’un récent concert d’Unnatural Ways auquel j’ai eu la chance d’assister, au contraire j’ai bien pris soin de ne pas rédiger cette chronique sur le vif et de laisser passer quelques semaines : aujourd’hui l’écoute de The Paranoia Party ne fait que confirmer qu’Ava Mendoza est une grande guitariste qui en plus possède un son très particulier et personnel, avec des effets sur sa guitare qui lui donnent autant un côté death rock que noisy (voire teinté de punk et de metal) que fortement psyché. Vraiment très étonnant.

Ava Mendoza bénéficie en plus de l’appui d’un excellent groupe. Commençons par Sam Ospovat : je n’ai jamais totalement adhéré à sa façon de faire lorsque je l’ai vu se produire avec Enablers, ce batteur pas très agréable à regarder jouer en concert me semblant trop nonchalant et très cérébral – ce qui n’est pas incompatible, en fait il me fait toujours l’effet de sortir tout droit d’une école de musique trop prestigieuse. Sa façon de jouer est d’une décontraction insensible qui m’échappe totalement… pourtant son interprétation très diversifiée et d’une puissance adéquate se révèle parfaitement en place au sein d’Unnatural Ways. Sam Ospovat est d’une volubilité exubérante sur The Paranoia Party grâce à un jeu de cymbales et des roulements de toms incessants mais également de temps à autre grâce à de la double pédale.

Tim Dalh est aussi du genre démonstratif, déchainé voire baroque et excessif, mais ça on le savait déjà si on connait son travail à la basse avec Child Abuse. Il partage avec Ava Mendoza un goût immodéré pour les effets et certains sont complètement improbables (comme cet effet « bulles » qui renvoie directement à Bill Laswell, je ne serais guère étonné que Tim Dalh en soit en grand admirateur). Le bassiste d’Unnatural Ways est l’élément le plus kitsch du groupe, le plus prog également, pourtant il reste d’une énergie stupéfiante malgré une inventivité débordante de technique et bien qu’il joue aux doigts et non pas au médiator : Tim Dalh est également un contrebassiste aguerri et expérimenté ce qui lui permet de donner du corps à sa basse électrique avec une imagination et une ardeur égales.

La palme de l’étonnement reste malgré tout entre les mains d’Ava Mendoza. Et pas seulement pour ses explosions de guitare décrites un peu plus haut… entre We Aliens et The Paranoia Party elle a décidé d’inclure du chant dans la musique d’Unnatural Ways (en fait il y en avait déjà un peu sur l’album éponyme avec Dominique Leone et Nick Tempuro mais aucun sur We Aliens, album strictement instrumental…). Ava Mendoza est très loin d’être une chanteuse inoubliable, loin s’en faut et elle le sait puisque sa voix est régulièrement noyée elle aussi sous moult effets, ce qui accentue le côté outré et gothico-turbulent du chant. La présence de celui-ci reste cependant essentielle puisque il tend à structurer la musique d’Unnatural Ways autour du format chanson (la guitariste signant six compositions sur sept) avec de vraies paroles, de vrais refrains et donc tout ce qui s’en suit : ponts, breaks, etc. Le grand arsenal des chansons à tiroirs qui prennent soudain des directions inattendues tout en restant dans un certain cadre… Unnatural Ways paie sans honte aucune son tribu aux Mothers Of Invention de Franck Zappa (l’album Absolutely Free par exemple) tout en balayant l’horizon d’un esprit punk acéré qui élève The Paranoia Party au rang des comètes free noise qui embrasent tout sur leur passage. De ce point de vue là c’est donc réussi.

[The Paranoia Party est publié en CD et en vinyle par Sleeping Giant Glossolalia]  

* un très bon 7’ de quatre titres publié par BeCoq records documente cette formation

Thou / Magus

En me précipitant tel un affamé ou presque sur les trois EP/mini albums publiés par Thou entre les mois de mai et juillet 2018 en guise de préambules au nouvel album du groupe – pour mémoire : The House Primordial puis Inconsolable et enfin Rhea Sylvia – j’ai bien failli griller toutes mes cartouches. Je m’explique : je crois que je n’ai jamais apprécié un enregistrement de Thou immédiatement après ses premières écoutes, de manière instinctive et irréfléchie, ce qui peut sembler complètement contradictoire pour quelqu’un qui se vante en permanence (oui, je suis un gros vantard) de privilégier le cœur à la tête, l’instinct à la pensée et la chair à l’esprit.

Je me rappelle encore de ma découverte du groupe de Baton Rouge / Louisiane, c’était avec l’album Summit, en 2010, un troisième album qui à l’époque m’avait laissé de marbre voire avait fait naître en moi une profonde incompréhension. Aujourd’hui ce même Summit est l’un de mes disques préférés de Thou, un disque dont je ne voudrais pas me passer. Dois-je préciser que quelques années plus tard la même « aventure » m’est arrivée avec Heathen (2014), un disque considéré par beaucoup comme le chef d’œuvre absolu du groupe ? Et bien voilà : après bien des mois, Heathen avait également réussi à entrer dans mon petit cœur de pierre de binoclard fossilisé où il s’est mis à trôner aux côtés de Summit pour me tenir chaud avec autant d’efficacité que d’humanité.
 

J’ai donc eu peur d’avoir épuisé tout mon potentiel émotionnel et affectif avec ces trois disques lancés en éclaireurs et que j’avais déjà beaucoup trop disséqués lorsque THOU a finalement publié Magus (le cinquième album du groupe) au mois de septembre. Bon… fort heureusement et malgré tout, il me semble depuis qu’il y a plus que jamais et indubitablement un mystère Thou. Et plus je cherche – et trouve – des éléments de réponses pour le solutionner et plus ce mystère m’échappe. Mais cela me va bien. C’est même plutôt réconfortant et galvanisant d’être presque obligé de faire une confiance aveugle (mais exigeante malgré tout) à un groupe. La confiance c’est tellement facile avec un groupe lambda qui joue une musique totalement codifiée parce qu’en fait on trichera toujours a priori et finalement on tournera toujours en rond autour d’une autosatisfaction-miroir confortable. Mais avec un groupe en plein mouvement et hors sentiers battus ce n’est pas du tout la même histoire.  
C’est même l’histoire d’un danger bénéfique : si le danger n’existe plus, la confiance disparait également et aujourd’hui je crois que la publication antérieure de The House Primordial et surtout de Inconsolable et de Rhea Sylvia aura servi à cela. Ces trois disques sont des plus explicites quant à la démarche musicale et personnelle de Thou mais en même temps ils foutent un gros bordel en démontrant que Thou est un groupe à l’esprit libre. Un groupe romantique et anarchiste qui n’a pas d’égal pour décloisonner, démonter, détruire et reconstruire derrière avec les éléments déchiquetés (mais aimés) par son appétit de destruction quelque chose qui n’appartient qu’à lui, un système qui possède la perfection de ses défauts, Thou étant l’un des rares groupes qui a compris qu’un système – je raisonne en assimilant une création musicale et donc artistique à un système – est en même temps un chaos irréversible. Toute fenêtre est autant une fermeture qu’une ouverture, une loi est autant une barrière ou une règle qu’une incitation à désobéir ou partir et Magus est la cristallisation d’un tout, aussi universel qu’incomplet et, conséquemment, un tout en mouvement épiphanique. 

Dans Magus la noirceur et la violence de Thou ne sont donc pas feintes et ne constituent pas plus un décorum – en cela Thou est l’exact opposé d’un Cult Of Occult –, c’est une noirceur et une violence qui ont du sens, une noirceur et une violence qui possèdent leur propre signification, leur propre vérité et leur propre lumière. Magus est autant un enregistrement transcendant qu’un chef-d’œuvre musical (je n’ai pas du tout envie de parler de ces riffs incroyables, de ce chant/logorrhée quasiment infini, de cette lourdeur atmosphérique, d’autres le font bien mieux que moi) et je préfère insister une dernière fois sur le caractère émotionnel, physique et métaphysique de Magus. Une dernière fois mais comme une première.

[Magus est publié en double vinyle et en CD par  Sacred Bones et que ce soit particulièrement ce label qui s’y soit collé me semble être le seul défaut insurmontable de ce beau et inestimable disque]

Gouge Away / Burnt Sugar

Encore une petite friandise énervée de la part de Deathwish. Gouge Away est un (presque) tout jeune groupe – formé en 2012 – et qui débarque de Floride. Son deuxième album intitulé Burnt Sugar vient donc de paraitre sur un prestigieux label qui, oui c’est nécessairement logique et commercialement cohérent, ne tarit pas d’éloges à son sujet avant de nous présenter GOUGE AWAY comme un fabuleux groupe de hardcore... Hardcore ? Moi je veux bien et c’est comme vous voulez, hein, parce que finalement « hardcore » en 2018 ça n’a plus vraiment de réelle signification… un peu comme « nouilles en salade», « vacances au Cambodge », « la joie comme acte de résistance », « le crépuscule en nous », « humanisme et révolution prolétarienne », tout ça. Il n’y a que « screamo » qui de nos jours veuille encore dire quelque chose, c’est aussi dégueulasse aujourd’hui qu’il y a quinze ans. Mais ce qui reste sûr et certain c’est que Gouge Away a presque rien à voir avec les pitreries hardcore et poilues dont Deathwish nous abreuve régulièrement et, tant que j’y suis, le groupe a absolument rien à voir non plus avec les Pixies – mais si… rappelle-toi les Pixies et Gouge Away.

Aucun rapport avec la bande à Black Francis et Kim Deal, vraiment ? Je concède pourtant qu’un titre comme Raw Blood comporte son lot d’indie rock de lutins blagueurs, avec cette basse fermement lancinante et ainsi bien mise en avant ou cette alternance entre passages tranquilles et passages plus puissants – soit la même bonne vieille recette parfumée aux phéromones d’adolescents et qu’à titre de comparaison facile on nous balance à la tête dès la première occasion. 
En plus de fournir son quota quasi obligatoire de beuglantes bien senties et tout ce qu’il y a de plus punk (Fed Up, Hey Mercy ou Can’t Relate) ou de mid-tempo ravageurs (Dissociation) Gouge Away se permet de se la jouer à l’épate en nous offrant également une solide poignée de compositions assez étranges (par exemple le très réussi Ghost mais également et surtout le magnifique Stray et sa conclusion finement  shoegaze et boisée, tout ça me fait invariablement penser à du Yo La Tengo). Des compositions sur lesquelles le punk violacé et rouge de colère de Gouge Away disparait de plus en plus pour laisser la place à cet esprit entre pop nervurée et saturation mélancolique, du côté d’un Sugar rural et de celui d’un Hüsker Dü assoupli et plus tristement désabusé que jamais. La deuxième face de Burnt Sugar est de loin la plus contrastée, le groupe y passe son temps à alterner punkeries hurlantes et chansons noisy. Et c’est vraiment très réussi.

Les choses seraient aussi simples que je m’en tiendrais là. Mais Gouge Away n’a rien d’un groupe simplement bipolaire jouant sur un gimmick prévisible uniquement pour se faire remarquer. Parce que Burnt Sugar est un album compact, ramassé et très court, sauvage et cru la plupart du temps, sonnant de manière brute, sans fioritures – il a semble t-il été enregistré à l'ancienne, sur bandes.  
Gouge Away interprète toutes ses compositions avec la même hargne et la même détermination, emmené par le chant et les textes de Christina Michelle qui dans le genre arrache tout sur son passage. Tout le côté punk/hardcore a contaminé le côté noisy/indie (et inversement) du groupe qui ne fait pas de différence et, surtout, ne choisit finalement pas. En moins d’une demi-heure Burnt Sugar débale quantité de tubes précieusement ciselés et ce quelle que soit l’optique musicale abordée en définitive : il n’y a pas que les compositions les plus emo/pop/noisy qui méritent d’être ici saluées, rien que le brûlot Only Friend en ouverture du disque est un vrai régal et comment ne pas citer également Subtle Thrill et Wilt (I won’t) ? Il s’agit tout Simplement de deux des meilleurs titres du disque. Un disque qui ne révolutionne rien mais qui apporte suffisamment de fraicheur et d’authenticité pour permettre à Gouge Away de se démarquer de la meute.

[Burnt Sugar est publié en vinyle par  Deathwish Inc]

Daughters / You Won't Get What You Want

Je sens que cela va être difficile. Daughters est l’archétype du groupe dont le following a eu tendance à augmenter après une séparation prématurée* et houleuse. D’accord : les quatre de Providence / Rhode Island** possédaient déjà leur quota de fans enthousiastes du temps de la première vie du groupe mais les rangs de ceux-ci avaient bien gonflé après le split puis la parution en 2010 et à titre posthume du troisième album de Daughters. Il était alors tragiquement facile de regretter un groupe faisant des étincelles sur scène, doté d’un chanteur scrupuleusement énervant et jouant une musique née du grind (la plupart des membres de Daughters étaient auparavant dans As The Sun Sets, un groupe de grindcore que je ne vous recommande absolument pas) pour atterrir du côté d’un noise-rock ultra énervé.

Daughters s’est séparé parce que Alexis S.F. Marshall (chant) et Nicolas Andrew Sadler (guitare) se sont foutus sur la gueule. Une brouille bien violente mais qui n’a pas duré très longtemps puisque le groupe a recommencé à donner des concerts ensemble dès 2013 et a enregistré des nouvelles compositions à partir de 2014. Entretemps le troisième album sans titre de Daughters est devenu, sous l’impulsion du label Hydra Head, un disque acclamé – ce qui, toutes proportions gardées, peut parfaitement se justifier… disons plutôt et simplement que ce troisième album est uniquement un très bon disque, ce qui est déjà beaucoup, mais pas ce chef-d’œuvre tellurique tellement vanté.

You Won’t Get What You Want n’est pas la première tentative d’enregistrement depuis la reformation de Daughters. Les bandes mises en boite dès 2014 ne lui convenant pas, le groupe a décidé de tout reprendre à zéro et l’enregistrement de son quatrième album s’est étalé sur plusieurs périodes et finalement la publication  a eu lieu fin octobre 2018 via Ipecac recordings. Le label et le groupe ont mis le paquet : pochette gatefold, impression mate, illustration artistiquement morbide mais élégamment minimale, double vinyle de couleur… sur ce dernier point, You Won’t Get What You Want ne durant que 48 minutes – ce qui constitue malgré tout l’album le plus long de Daughters – un tel étalage vinylique est purement inutile voire même mercantile, mais passons. 
Voyons l’aspect positif de la chose  : la musique de DAUGHTERS a vieilli en même temps que le groupe et au moins celui-ci ne prétend pas être ce qu’il n’est plus, bien qu’il y aurait une certaine logique dans son évolution. Le titre du quatrième album de Daughters ne sera donc pas mensonger : « vous n’aurez pas ce que vous voulez », ce qui signifie clairement que le groupe revendique d’avoir changé. Ce qui est beaucoup moins bien c’est qu’en même temps il semble ne pas trop savoir où il veut en venir. On retrouvera sur You Won’t Get What You Want quelques réminiscences du Daughters d’avant (mais uniquement celui du troisième album) mais également des brulots noise punk joués à toute allure et avec double pédale (The Inflammable Man et surtout The Lord’s Song) ou du Jesus Lizard en mode cybernétique (The Reason They Hate Me et Guest House)… le plus surprenant étant cette première plage plutôt réussie, City Song, qui sonne comme du Liars – je parle du Liars brièvement capable de bonnes choses, donc de celui de They Were Wrong, So We Drowned.
Le son général de You Won’t Get What You Want est des plus étranges. Tellement ampoulé et à la fois tellement confus, saturé de détails inutiles, complètement phagocyté par des nappes synthétiques et un traitement sonore de la guitare incroyablement kitsch (Satan In The Wait, Less Sex, The Reason They Hate Me). L’album se noie constamment dans des essais hasardeux et différentes tentatives d’expérimenter qui finissent presque toutes dans un mur, ce qui dès le départ donne à You Won’t Get What You Want un caractère terriblement daté et obsolète. On dirait déjà un vieux machin complètement stérile et dépassé… Heureusement quelques pépites viennent remonter le niveau, je pense surtout au très post punk Daughter et son chant scandé qui arrive à sortir du lot. Tout comme les sept minutes de Ocean Song (toujours avec la scansion du chant) qui est la seule composition de l’album à proposer un cheminement réel et une dramaturgie. 
Les détracteurs de Daughters ont toujours reproché au groupe une certaine vacuité et un côté artificiel et ce reproche est encore d’actualité avec You Won’t Get What You Want qui, nous parlant de noirceur et de vide, donne réellement – mais à son corps défendant – un sens concret et palpable à ce désert subjectif de pessimisme. Le constat est aussi dur qu’accablant, cet album est (une fois de plus ?) gonflé de propositions promesses non tenues.

* le plus bel exemple en la matière étant celui de  Big’N dont l’improbable comeback en 2011 sous l’impulsion de feu le label Africantape a non seulement remis ce groupe du Chicago sur la carte mais lui a également donné une place de choix qui n’était peut-être pas tout à fait la sienne au départ – aujourd’hui Big’N s’apprête à faire un deuxième comeback et va publier Knife Of Sin sur un tout nouveau label du nom de Computer Students, je ne serais vraiment pas étonné que la personne se cachant derrière ce nouveau label soit la même que celle qui avait monté Africantape il y a quelques années

** Providence étant un vivier de groupes complètement tarés, au hasard ou presque : Arab On Radar, Landed, Lightning Bolt, Six Finger Satellite, White Mice…

Bummer / Holy Terror

C’est très simple, inévitable et complètement récurrent : je me fais toujours avoir comme un éternel débutant et dès que je tombe sur un disque qui me rappelle plus ou moins ma lointaine jeunesse, je ne peux pas m’empêcher de me jeter dessus. Et en l’occurrence j’ai plongé tête baissée dans un grand bain de gras bien bouillant avec Holy Terror, premier album de BUMMER. Pourtant, une fois de plus, ce n’est pas l’originalité du propos ni une personnalité débordante qui étoufferont ce trio de Kansas City : la recette est classique et basique avec un guitariste/chanteur, un bassiste et un batteur comme surgissant du passé pour nous asséner un noise-rock teigneux et sale – et on s’y croirait vraiment, quelque part entre Cherubs, Unsane et Crust. Holy Terror s’adresse sans détour aux nostalgiques et même aux puristes des groupes AmRep/Trance Syndicate/etc. et je ne peux même pas affirmer que le style a été actualisé ou un peu amélioré, non c’est du pur traditionnel de chez traditionnel, de la musique folklorique et coutumière des années 90 option grosses guitares, grosse basse, grosse batterie, grosses beuglantes et gros mal de tête en perspective pour l’inconscient sans cervelle qui se risquerait à n’écouter que ça.

Je ne suis pas allé chercher très loin pour trouver la trace de Bummer puisque c’est le label de Minneapolis Learning Curve records qui est responsable de cette parution. Sans compter que le mini album sado-masochiste Spank (un 10’ publié en 2015 par High Dive records qui tout récemment a également sorti une compilation intitulée… Greatest Hits regroupant les premiers titres du groupe) m’avait déjà bien remué les boyaux malgré, sans aucun étonnement, une lecture très académique du genre. Ce n’est donc toujours pas sur le terrain de la surprise qu’il faudra attendre Bummer qui avec Holy Terror perpétue la tradition du bourrinage ancestral et des hurlements de rednecks au clair de lune. Il y a bien Reefer Sadness en troisième position du disque et qui vient brouiller les pistes avec son air enjoué, tiens oui on dirait même un tube radiophonique avec sa ligne de basse tortillarde, son chant moqueur et ses handclaps au moment du dernier break. Mais c’est bien tout, le reste du temps Bummer s’évertue à mélanger riffs finalement plus épais que gras et rythmiques totalement plombées – des fois l’ombre de Fudge Tunnel semble planer sur la musique du trio, dans cette façon de tout alourdir jusqu’à la nausée.

Qu’attendre alors de plus d’un groupe qui a choisi pour illustrer son premier véritable album une photo d’une banalité tellement consternante qu’elle confine à la laideur ? Rien du tout. Si ce n’est que Bummer est un groupe de petits malins qui savent jouer l’alternance et donc l’insatiabilité : le groupe n’a pas son pareil pour augmenter la tension par paliers entre morceaux très lourds et morceaux très rapides – souvent les deux éléments alternent au sein d’une seule et même composition comme sur les formidables King Shit et Frown Job, de loin les deux titres les plus torrides de Holy Terror – ce qui constitue un système d’accroche particulièrement vicieux et entraine une montée inexorable d’adrénaline. Bummer ne révolutionne pas le genre (qui de toute façon ne demande absolument pas à l’être) mais Holy Terror réactive avec succès réflexes pavloviens déviants et manifestations compulsives instantanées type bave aux lèvres et mouvements de nuque incontrôlés.

[Holy Terror est publié en vinyle par Learning Curve records et en CD par High Dive records]